WELL ART – Ewelina Skowrońska: „Ich tauche Pflanzen in Stoff ein. Es ist wie Alchemie.“

East–East ist kein weiterer Versuch, den Osten zu mythologisieren und als exotischen Gegenpol zum Westen darzustellen. Statt Stereotypen zu verewigen, konstruiert Kurator Paweł Pachciarek eine Erzählung Japans durch das Prisma der persönlichen Geschichten von Künstlern, deren Leben, wenn auch auf unterschiedliche Weise, mit diesem Land verflochten ist. Ihre Erfahrungen mit Migration, Identitätsneudefinition und Wiederverwurzelung schaffen eine vielstimmige Erzählung über das Leben zwischen kulturellen, geografischen und sprachlichen Polen.

Zu den Mitgestaltern der East–East-Ausstellung gehört Ewelina Skowrońska, eine bildende Künstlerin, die nach einem Jahrzehnt in Japan in die polnische Kunstszene zurückkehrt. Ihre handgefärbten Textilien nehmen die Form zeitgenössischer Totems an, Pflanzenlandschaften auf Seide, die eine Botschaft spiritueller Verbundenheit vermitteln. Durch organische Kompositionen spricht sie das Bedürfnis an, zu einfachen, in der Natur verwurzelten Praktiken zurückzukehren.

Kurz vor der Abschlusszeremonie sprechen wir mit der Künstlerin über die Rolle traditioneller Techniken bei der Entwicklung zeitgenössischer Sensibilitäten, den Einfluss japanischer Ästhetik auf ihre kreative Praxis und darüber, wie Kunst ein Versuch sein kann, die Realität zu organisieren, sowohl persönlich als auch kollektiv.

Eine polnische Künstlerin, die ein Jahrzehnt in Japan gelebt hat. Wie hat der Osten ihre Sicht auf Kunst und Leben verändert?

Maria Jasek, Well.pl: „East–East“ ist die zweite Ausstellung im Manggha-Museum, in der Sie Ihre Werke zeigen. Diesmal sind Sie die einzige Künstlerin aus Polen. Was bringen Sie formal, emotional und thematisch Neues mit?

Ewelina Skowrońska: Meine letzte Ausstellung im Manggha-Museum war Teil eines in Japan initiierten Projekts, das ich gemeinsam mit Monika Brauntsch, ebenfalls in der Stiftung „Spirit of Poland“, realisierte. Die Ausstellung trug den Titel „Innere Stärke – Die Frauen Polens und Japans“ und war Frauen aus zwei unterschiedlichen Kulturen gewidmet. Wir wollten ihre Erfahrungen, Bedürfnisse und ihre Gemeinsamkeiten und Unterschiede erforschen. Wir luden fünf Künstlerinnen aus Japan und fünf aus Polen zur Teilnahme ein. Der Schwerpunkt der Ausstellung lag auf Illustration und Grafikdesign.

Abgesehen davon, dass sich „East-East“ inhaltlich vom vorherigen Projekt unterscheidet, ist es die erste größere Präsentation meiner Arbeit seit meiner Rückkehr nach Polen und die erste, die so deutlich in einen polnischen Kontext gestellt ist. Ich freue mich, dass meine Arbeit im Rahmen einer breiteren Diskussion über die Ost-West-Beziehungen gezeigt wird, mit Bezügen zu Japan, aber auch mit starkem polnischen Akzent.

Sie sind vor zehn Jahren nach Japan gezogen und dort eine Zeit lang geblieben. War das der Plan?

Jahre zuvor, bei meinem ersten Besuch in Japan, hatte ich kurz mit dem Gedanken gespielt: „Ich könnte eines Tages hier leben.“ Und tatsächlich, ein paar Jahre später, wurde dieser Traum wahr, obwohl der Job meines Partners dafür verantwortlich war. Es ist ein bisschen so: „Sei vorsichtig mit deinen Wünschen, sie könnten in Erfüllung gehen.“

Das war nach Ihrem Kunststudium, Sie waren also aus akademischer Sicht bereits ein reifer Künstler. Wie hat dieser kulturelle Wandel Ihre Arbeit beeinflusst? Hat er sie weiterentwickelt oder ihr eher eine völlig neue Richtung gegeben?

Aus akademischer Sicht ja, aber heute habe ich das Gefühl, dass meine künstlerische Reifung in Japan begann. Ich möchte nicht idealisieren und sagen, dass diese Kultur mich verändert hat. Ich glaube, dass jedes Umfeld einen Menschen beeinflusst – ob London, Polen, Japan oder Südamerika. Ich versuche, solche Fragen mit Vorsicht anzugehen, denn ich habe nichts „gewonnen“. Es war ohne Zweifel eine wichtige Etappe.

Mein langer Aufenthalt in einer fremden Kultur, zunächst ohne jegliche Möglichkeit zur Kommunikation, da die Japaner kaum Englisch sprachen, wurde zu einer Erfahrung der Stille, in der ich mich selbst hörte. Mir wurde klar, dass ich aus Europa, aus Polen, kam, dass meine Herkunft wichtig war. Dass auch der Moment meiner Geburt mich geprägt hat. Dank dieser kulturellen und emotionalen Gegensätze konnte ich tiefer blicken.

Darüber hinaus bin ich sensibler geworden für Dinge, die in Europa weniger geschätzt werden. Handwerk, Handarbeit, Geduld, Liebe zum Detail – dort ist es ein Vergnügen, wird als Kunst betrachtet, und der Prozess ist genauso wichtig wie das Endergebnis. Ich achte auch mehr auf die Natur, nicht auf idealisierte Weise, sondern als etwas, von dem wir ein Teil sind.

Natürliche Farbstoffe, Seide und Pflanzen: Ewelina Skowrońskas Kunst als spirituelle Praxis

Wir stehen hier vor Stoffen, die Sie mit natürlichen Pflanzenfarben gefärbt haben. In Ihren Arbeiten trägt die Natur nicht nur Bedeutung, sondern wird auch zu einem Werkzeug, das Sie bewusst einsetzen, um eine bestimmte visuelle Wirkung zu erzielen. Was ist Ihnen bei der Interpretation ost-östlicher Werke am wichtigsten?

Die Laken sind aus Seide, und die meisten Farbstoffe stammen von Pflanzen, die ich selbst gesammelt habe. Mich inspirierte die Idee von Talismanen und Totems – Objekte, die den Menschen seit Jahrhunderten Schutz, Unterstützung, gute Ernten oder Sicherheit bieten. Ich wollte zeitgenössische Versionen schaffen, die den Herausforderungen der modernen Welt gerecht werden.

Jede Farbe des Stoffes basiert auf sorgfältig ausgewählten Pflanzen, die für ihre Verwendung in der Kräuterkunde und spirituellen Praktiken bekannt sind. Dies sind meine eigenen Kompositionen, Tränke, die der Tradition zufolge eine bestimmte Energie und Bedeutung in sich tragen.

In einer Welt voller Unsicherheit, Wandel und Verlustgefühlen brauchen wir heute besonders Orte des Trostes. Räume, die uns die Begegnung mit dem Unsichtbaren, Intuitiven und schwer Rationalisierbaren, aber dennoch tief Empfindlichen ermöglichen. Ein Textil mit dem Titel „Hoffnung“ ist ein Beispiel dafür, denn es ist etwas, das wir heute besonders brauchen. Eine andere Arbeit thematisiert das Konzept der Fruchtbarkeit, verstanden nicht nur wörtlich, sondern auch als kreatives Potenzial, die Fähigkeit, Neues zu initiieren. Diese Energie ist notwendig, um etablierte Muster zu überwinden und uns für Veränderungen und neue Denkweisen zu öffnen.

Ist das nicht ein zeitaufwändiger Prozess?

Ja. Ich verwende traditionelle Techniken, die viel Zeit, Geduld und volle Aufmerksamkeit in jeder Phase des Prozesses erfordern. Ich arbeite mit lebenden Pflanzen, nicht mit fertigen Pigmenten. Manche sammle ich selbst, andere beziehe ich von Färbepflanzen-Spezialisten. Die Pflanzen müssen zunächst getrocknet und dann lange eingeweicht werden, um das Färbebad vorzubereiten. Unter dem Einfluss von Wasser und der entsprechenden Temperatur „öffnen“ sie sich und geben die Farbstoffe frei. In dieses Bad tauche ich dann den zuvor zum Färben vorbereiteten Stoff.

Es ist ein langsamer und mühsamer, aber zutiefst befriedigender alchemistischer Prozess. Für mich ist es eine Art Dialog, eine Begegnung mit Pflanzen – Wesen, die ich wie Vorfahren betrachte und von denen ich Wissen schöpfen kann. Jede Pflanze hat ihren eigenen Charakter, ihre eigene Persönlichkeit und ihr eigenes Verhalten, sodass das Endergebnis trotz aller Akribie nie ganz sicher ist – und es ist diese Unvorhersehbarkeit, die dem gesamten Prozess seinen Zauber verleiht.

Sie arbeiten nicht zum ersten Mal mit Pflanzen. Warum war Ihnen dieses Thema und damit auch dieses Material so wichtig?

Dies ist einer der Gründe, warum ich mich in Japan künstlerisch gereift fühle. Dort begann ich, mich intensiv mit Pflanzen zu beschäftigen: sie zu erforschen, zu studieren und ihre Eigenschaften kennenzulernen. Hier bei East-East kann ich die Ergebnisse dieser Reise voll und ganz präsentieren.

In der japanischen Kultur ist der Bezug zur Natur weniger eine Philosophie als vielmehr eine grundlegende Lebensweise und Weltanschauung. Dort genießt die Natur tiefen Respekt und ist sich ihrer immensen Kraft bewusst. Die Natur ist nicht nur eine Quelle der Schönheit, sondern auch etwas Raues und Unberechenbares. Erdbeben und Taifune gehören schließlich zum Alltag.

Trotz dieser Bedrohungen oder vielleicht gerade deswegen wird die Natur als untrennbarer Teil des Lebens betrachtet. Diese vollständige Akzeptanz all ihrer Aspekte hat mich tief beeindruckt. Ich denke, das unterscheidet sich deutlich von der westlichen Sichtweise, in der wir die Natur oft als etwas Äußerliches wahrnehmen. Ein Ort, an den wir für einen Urlaub oder ein Wochenende „fahren“ und den wir als Ort der Entspannung und Flucht betrachten, anstatt ihn als notwendigen Teil unserer Existenz zu betrachten, ohne den wir als Menschen nicht existieren können.

Kunst als Kooperation mit der Natur, nicht als Beherrschung

Aus der Perspektive des Stadtlebens ist die Nähe zur Natur nicht selbstverständlich. Stadtbewohner denken oft, dass sich hier das wahre Leben abspielt – dass man nur in einer Großstadt wirklich funktionieren, sich entwickeln und arbeiten kann. Dies ist jedoch nur eine relative Wahrheit, und darüber hinaus erfordert eine solche Entscheidung den Verzicht auf etwas anderes. Obwohl Städte Grünflächen bieten, verlieren ihre Bewohner oft die tiefe, alltägliche Verbindung zur Natur. Ihre Arbeiten thematisieren diese Sehnsucht, als würden sie zu einer intimen Begegnung mit etwas Ursprünglichem, Ruhigem und Authentischem einladen. Wie nehmen Sie die Beziehung zwischen Mensch und Natur wahr? Was bedeutet sie Ihnen?

Ich frage mich manchmal, ob „Beziehung“ das richtige Wort ist. Aber ja, es ist der richtige Begriff, obwohl ich stärker davon überzeugt bin, dass wir nicht „auf der anderen Seite“ der Natur stehen. Wir sind ein Teil von ihr. Wir alle. Und doch vergessen wir das oft. In den letzten Jahrzehnten hat sich unsere Zivilisation auf die Entwicklung von Wissenschaft, rationalem Denken und die Ordnung der Welt nach patriarchalischen, binären Kategorien konzentriert. Für mich ist das eine gewaltige Vereinfachung. Wenn man die Natur und ihr Geschehen beobachtet, erkennt man schnell, dass nichts eindeutig ist. Alles kann gleichzeitig „dies und jenes“ sein. Die Natur kann sanft sein, Trost und Geborgenheit spenden, aber auch brutal, zerstörerisch und unberechenbar. Sie kann Leben schenken, aber auch nehmen. Diese gegensätzlichen Eigenschaften schließen sich nicht gegenseitig aus; sie existieren nebeneinander, wie die Idee von Yin und Yang. Und in dieser Mehrdeutigkeit erkenne ich die Wahrheit.

Für mich ist die Natur keine separate Welt, sondern etwas, das uns erhält und erschafft. Ohne Pflanzen gäbe es keine Menschen. Wir atmen die Luft, die sie produzieren, wir ernähren uns von ihnen und wir heilen dank ihnen. Die meisten Medikamente haben ihren Ursprung in Pflanzen. Noch vor 150 Jahren färbten wir Stoffe mit natürlichen Pigmenten – einst Allgemeingut. Heute ist es fast völlig vergessen. Ich versuche, mit meiner Arbeit darauf Bezug zu nehmen – nicht um an das 18. Jahrhundert zu erinnern, sondern um etwas Wichtiges über die Zukunft zu sagen.

Ich strebe danach, anthropozentrische Denkweisen zu überwinden. Wenn ich beispielsweise mit Pflanzen arbeite, behandle ich sie nicht wie Malwerkzeuge. Sie sind kein Mittel zum Zweck – sie sind meine Mitschöpfer. Jede Pflanze hat ihren eigenen Charakter, ihre eigene Persönlichkeit und ihre eigene Art, auf Materialien und Bedingungen zu reagieren. Es ist unmöglich, das vollständig zu kontrollieren. Natürlich kann ich bestimmte Phasen des Prozesses planen, aber ich muss ihnen auch erlauben, sie selbst zu sein – mein eigenes Ego als Künstlerin abzulegen. Und genau darin sehe ich den Sinn dieser Zusammenarbeit. Es geht nicht um Beherrschung, Ausbeutung oder Plünderung, wie wir es oft mit der Natur tun. Es geht um Partnerschaft.

Pflanzen, ihr Aufbau und ihr Verhalten bergen ein enormes Wissen und eine Spiritualität, die wir vergessen haben. Und das Wichtigste: All das ist verfügbar. Sie brauchen weder fünf Doktortitel noch eine Reise in die Wildnis. Es liegt direkt vor Ihnen. Sie müssen nur innehalten und hinschauen.

Washi-Papier, Keramik und die Philosophie des Wabi-Sabi

Wir haben bereits über die Unterschiede zwischen Europa und Japan gesprochen und wie diese den Alltag und unsere Wahrnehmung der Natur prägen. Doch wie sieht es mit Ausstellungen aus? Sie haben zahlreiche Ausstellungen in Japan besucht – sind Ihnen dabei Bräuche oder Praktiken begegnet, die Sie überrascht haben? Oder sind Ihnen signifikante Unterschiede zu Ihren Ausstellungserlebnissen in Europa aufgefallen?

Ich denke, der japanische Kunstmarkt hat, wie jeder andere auch, seine eigenen Regeln. Man sollte jedoch nicht vergessen, dass das Konzept der zeitgenössischen Kunst in Japan ein relativ neues Phänomen ist, gewissermaßen aus dem Westen „importiert“.

Ich hatte das Glück, Menschen kennenzulernen, die sich für meine Arbeit interessierten. Irgendwann mieteten zwei Freunde und ich ein Gebäude in Tokio und gründeten unseren eigenen Kunstraum. Es war eine Galerie, aber auch ein Ort für Treffen, Pop-ups und Gespräche. Dann initiierte ich das Projekt ONA Project Room – einen Raum zur Unterstützung von Künstlerinnen. Wir organisierten einmal im Monat Ausstellungen – einige Künstlerinnen wurden eingeladen, andere wurden durch offene Ausschreibungen ausgewählt. Das Projekt lief fast drei Jahre, und in dieser Zeit organisierten wir eine beträchtliche Anzahl von Veranstaltungen.

In Japan gibt es nur wenige unabhängige Grassroots-Kunstinitiativen. Wir haben Museen, private Galerien und … das ist im Grunde alles. Es fehlt an staatlicher Unterstützung, sodass Künstler selten eigene Räume schaffen – nicht nur aus finanziellen, sondern auch aus kulturellen Gründen. Deshalb ist der ONA Project Room zu einem bedeutenden Veranstaltungsort in Tokio geworden, und ich denke, er hat auf ein echtes Bedürfnis der Community reagiert. Wir haben es geschafft, etwas Wertvolles zu schaffen.

Dies ist eine der Lektionen, die ich aus Japan gelernt habe: Wenn etwas fehlt und Sie die Kraft dazu in sich haben, lohnt es sich, es zu schaffen.

Momentan arbeiten Sie vor allem mit Stoff. Gibt es eine andere Handwerkstechnik, die Sie besonders fasziniert und die Sie gerne einmal in Ihrer eigenen Arbeit ausprobieren möchten?

Japan ist eine wahre Fundgrube an Handwerkskunst, die mich tief inspiriert hat. Ich studierte Druckgrafik und leitete viele Jahre ein Atelier in Tokio, wo ich unter anderem mit Holzschnitt, einer traditionellen Drucktechnik, arbeitete. Und wenn ich an Holzschnitt denke, denke ich sofort an Washi-Papier. Ich hatte das Glück, mit einem Papiermachermeister zusammenzuarbeiten, der die für die Herstellung benötigten Pflanzen anbaut. Unter seiner Anleitung habe ich die Blätter selbst hergestellt. Dieser von Geduld und Respekt geprägte Prozess – vom Sammeln der Pflanzen über das Trocknen im Schnee bis zum Handzeichnen in kaltem Wasser – machte mir bewusst, wie viel Mühe und Demut es erfordert, ein einziges Blatt handgeschöpftes Papier herzustellen.

Ähnlich verhielt es sich mit Keramik, die ich aus nächster Nähe erkundete. Der mehrstufige Brennprozess lehrt Respekt vor Dingen, die wir täglich als selbstverständlich erachten und oft gedankenlos wegwerfen. Wer würde schon Ikea-Becher mit der Kintsugi-Technik reparieren, bei der zerbrochene Stücke mit Gold verbunden werden? Diese Methode passt wunderbar zur japanischen Philosophie des „Wabi-Sabi“, also der Wertschätzung der Unvollkommenheit und vergänglichen Schönheit der Dinge.

Aus Respekt vor der Tradition habe ich mich nicht sofort für eine der bekanntesten Färbetechniken, Indigo, entschieden, obwohl ich sie sehr faszinierend finde. Ich plane, an einem Künstleraufenthalt teilzunehmen, um sie bewusster zu erkunden und zu sehen, wie ich sie in meine Arbeit integrieren kann.

Ost-Ost in Krakau: Die letzten Tage einer Ausstellung, die Spiritualität, Kunst und Migrantengeschichten verbindet

Mit „East–East“ läuten Sie eine neue Phase Ihrer Arbeit ein – es ist Ihre erste Ausstellung seit Ihrer endgültigen Rückkehr nach Europa. Wo können wir Ihre Arbeiten in naher Zukunft sehen?

Ich pendle derzeit zwischen London und Breslau und bin gerade dabei, mich wieder einzuleben. Ich weiß bereits, dass meine Papierarbeiten im Oktober in einer Ausstellung der Camden Open Air Gallery im Rahmen der Frieze Week in London zu sehen sein werden. Etwas später, Anfang nächsten Jahres, wird ein Stück meiner Textilarbeiten in einer speziell dem Textilbereich gewidmeten Ausstellung in einer Galerie in Warschau zu sehen sein.